Hayao Miyazaki nos regala una obra cargada de reflexiones existencialistas acerca de la muerte, lo que somos y lo que podemos ser. Un cuento en ocasiones críptico en exceso pero con una poesía visual que deja ver al completo el genio del cineasta.
Por Roberto H. Roquer
|
26 septiembre, 2022
El mundo que ya conocimos en el videojuego de CD Projekt «Cyberpunk 2077» se traslada ahora a la pequeña pantalla en una serie de anime que fascinará tanto a fanes de la franquicia como a aquellos recién llegados.
El director nipón Yoshinobu Sena no arriesga con su película debut y enfrenta el amor con la autoestima y la realidad con la fantasía en un drama adolescente sin el impacto emocional ni visual necesario para crear una revelación en el espectador.
En uno de sus más clásicos filmes, el maestro Hayao Miyazaki ensaya acerca de la naturaleza humana desde una óptica sincera y cruda, no dejándose llevar por la negatividad y presentando una profunda obra llena de matices, ideas y posibles lecturas.
El filme del maestro Mamoru Hosoda reflexiona acerca de la niñez, de la familia y del amor aprovechándose del gran gusto y sensibilidad que lo caracterizan. Un relato en el que la fantasía más creativa se da la mano con el realismo más puro y descarnado.
En su segundo largometraje, y siempre desde una óptica crítica, Gorō Miyazaki trata el sentir generalizado de una sociedad que no sabe aún lo que quiere desde la mirada de una joven adolescente que debe encontrarse a sí misma y su lugar en el mundo.
Utilizando como ambientación una época remota, Keiichi Hara representa bajo la afilada mirada de una artista incomprendida las dolencias más comunes de nuestro tiempo, aprovechando para visibilizar el trabajo de las mujeres en el ámbito artístico.
Desde un enfoque centrado en los sentimientos, Tatsuyuki Nagai reflexiona acerca del día a día, acerca de aquello que nos ata a un lugar y no nos permite seguir adelante. Una obra aparentemente sencilla que tiene mucho que decir sobre la sociedad actual.
La obra de Mamoru Hosoda delinea un mundo de realidad y fantasía en el que convive la poesía más bella con la ciencia ficción más elaborada. Una película emocionante y virtuosa que toma el pulso a la identidad y el trauma desde la ilusión y la pasión.
En su primer largometraje, Kotaro Tamura reflexiona acerca del amor y sus consecuencias, acerca de la situación que ha tocado vivir y los desencadenantes que eso tiene para las personas que la sufren. Una visión cargada de la más pura soledad.
Sentando las bases de su cine y elevando el nombre de Studio Ghibli, Hayao Miyazaki, con su habitual sensibilidad, presenta un cuento intimista sobre la infancia y el respeto a la naturaleza a la vez que crea uno de los mayores iconos del mundo del anime.
El cuarto y último filme del de Hokkaidō representa la perfección de su trabajo como cineasta, reflexionando acerca de los sueños y de la mentalidad de las masas con un gusto ya refinado y pulido gracias a la experiencia obtenida de sus anteriores cintas.
El nipón Tomohiko Itō, en su último trabajo, reflexiona sobre las relaciones interpersonales, los sentimientos y el amor mismo, dándole una ambientación de ciencia ficción que envuelve el resultado final y lo eleva como una obra a tener en cuenta.
El malogrado Satoshi Kon realiza, en su tercer trabajo, una oda al amor, a la reconciliación y a la familia. Una poética reflexión acerca de la situación que nos ha tocado vivir que dista bastante de la oscura temática habitual de sus películas.
Como si de un ensayo filosófico se tratase, el japonés Kazuyoshi Katayama reflexiona, en un filme con mucho que decir y siempre desde un filtro onírico, acerca de la realidad misma y la fortaleza del ser humano para enfrentarse a sus peores miedos.
