La película de Aaron Sorkin asiste a un fragmento de la historia televisiva estadounidense con mano dudosa, ofreciendo un retrato de poca entidad pero interpretado con excelencia, en un ejercicio de mímesis, por Nicole Kidman y Javier Bardem.
La cineasta bosnia Jasmila Žbanić compone una obra de sentido del terror muy elaborado que comenta sobre la guerra de los Balcanes deconstruyendo el diálogo a dos bandas entre la vida y la muerte y todo lo que existe en el interregno que queda en medio.
Sencilla y sobria, la obra de Benjamin Cleary ofrece una ciencia ficción sensible y bien escrita que reflexiona sobre la vida y la muerte en una progresión narrativa tan calmada como emotiva, formada en el amor y respetuosa con sus ilusiones.
La película del italiano Uberto Pasolini, teniendo puntos en común con el realismo social británico, pone el foco en la búsqueda de respuestas y estructuras ante la inevitabilidad y examina la relación paternofilial desde una mirada individual.
Autobiográfica y profundamente personal, la película de la francesa Nine Antico saca a relucir el debate de la crisis de los treinta y lo pone en contexto en una comedia romántica inteligente, musicalmente aguzada y de carácter generacional.
La barcelonesa Mar Targarona dirige una obra que, con una premisa potente y un primer acto electrizante, va descendiendo y perdiendo ímpetu debido a una jerarquía narrativa muy cándida y un juego simbólico desadaptado con respecto a sus inquietudes.
Volviendo la vista sobre el clásico surcoreano de los sesenta y en una obra tan sensual como perturbadora, Im Sang-soo estudia la diferencia de clase desde una óptica social que en ningún momento pierde de vista lo individual y lo particular.
Los rusos Aleksey Chupov y Natalya Merkulova entregan una película ambientada en la Unión Soviética estalinista que, más allá de su contexto histórico, lanza una magnífica e intensa fábula sobre la redención, la búsqueda del sentido y la lealtad.
Enigmática, profunda y de simbolismos recónditos, la obra de la georgiana Juja Dobrachkous subvierte sus referentes mitológicos y se enfrenta a los tiempos, a las relaciones maternofiliales, al sentimiento de pertenencia y al conflicto por las raíces.
En una de sus películas más misteriosas, Hong Sang-soo comenta sobre la sensibilidad, el amor, el trabajo o las relaciones parándose en los márgenes y observando los símbolos que proyecta sin faltar nunca a su visión personal y ajena al artificio.
Lyle Mitchell Corbine Jr. entrega una película que, con un enorme Michael Greyeyes en el papel principal, se muestra multidimensional, firme en su mitología y con la capacidad de explorar los orígenes del dolor y de poner la mirada en sus consecuencias.
Adentrándose en el mundo que vive detrás de las pantallas y en el interior de los jóvenes que huyen de la soledad en sus habitaciones, la película de Jane Schoenbrun es un grito generacional que interpreta en la misma medida que legitima un modo de vida.
Hong Sang-soo vuelve a convertir lo ordinario en actos de relevancia y delicioso lirismo. A través de una mirada siempre a una distancia prudencial de su objeto de estudio, frecuenta el espectro emocional humano sin necesidad de irse a los extremos.
Denis Côté, siempre dado a un cine fuera del sistema, experimenta con una película que invoca la extrañeza desde el histrión y la teatralidad que, en su búsqueda del peso relativo, tropieza con una reducción en su discurso que minimiza su alcance.
Con base en el realismo social, la británica Clio Barnard dirige una película que se hace fuerte en su contexto y que destaca por sus dos grandes interpretaciones principales y su mirada tolerante y noble sobre su subtexto racial y de clase.
