El festival LesGaiCineMad 2022 al detalle
Un top de su programación
Uno de los festivales LGTB más importantes a nivel internacional llega a su fin tras 12 días de proyecciones que celebran la diversidad en el cine con 78 películas críticas, emotivas y reivindicativas estrenadas en Madrid desde 27 países diferentes.
El Festival Internacional de Cine LGTB de Madrid, organizado por la Fundación Triángulo, es una de las citas más multitudinarias entre el cine y la capital española. Así, el festival se erige como un lugar de encuentro capitaneado por sus numerosos e implicados voluntarios y organizadores, que llevan veintisiete años apoyando un cine honesto con la pluralidad que rompe con la histórica marginalidad de estas historias; exactamente desde 1996, cuando LesGaiCineMad era uno de los pocos medios para que los espectadores pudieran descubrir el cine de temática LGTB que, año tras año, se realizaba con más esfuerzo que recursos. Este legado sigue en la memoria del público veterano y permite seguir avanzando a los más jóvenes en la creación y disfrute del arte cinematográfico.
En esta 27ª edición, celebrada del 3 al 14 de noviembre, ha quedado patente el interés del público en varias de sus proyecciones, pero sobre todo en la entrega del Premio de Honor 2022 al actor Eusebio Poncela en agradecimiento a sus papeles en películas de temática gay —como la recuperada La semana del asesino (Eloy de la Iglesia, 1972) o La ley del deseo (Pedro Almodóvar, 1987)—. Este año, LesGaiCineMad también ha querido rendir homenaje al director, guionista y productor Roberto Pérez Toledo tras su fallecimiento a principios de año por su eterno compromiso con la diversidad que demuestran sus obras.
Respecto a la programación, el festival divide sus largometrajes en cuatro categorías: Sección Oficial, Sección Panorama, Oficial Documental y Cine Disidente, aunque también hay un espacio reservado para los cortometrajes y las proyecciones especiales. Las citas con el público se reparten entre sus once sedes en Madrid, Rivas y Leganés, y en Cintilatio hemos podido asistir a la proyección de nueve cortometrajes —entre los que destacamos Arnasa (Raúl Barreras), Demà ho deixem (David Moragas) y Son (Marta Nieto)—, así como trece largos a los que sumaríamos otras dos películas que ya vimos durante el Festival de San Sebastián 2022: Something You Said Last Night —una cinta sencilla y sensible protagonizada por una chica trans y dirigida por Luis De Filippis— y Pornomelancolía —un retrato limitado de la experiencia de un actor porno dirigido por Manuel Abramovich—.
Respecto al palmarés, el jurado de la Sección Oficial ha concedido los premios de mejor película y mejor guion a Blue Jean (Georgia Oakley), el de mejor dirección a la directora de Lobo e Cão (Cláudia Varejão) y el de mejor interpretación a Carmen Madonia, actriz de Something You Said Last Night, así como menciones especiales a Słoń (Kamil Krawczycki) y La amiga de mi amiga (Zaida Carmona). De todas ellas y muchas otras hablamos en este top donde nos adentramos en cada uno de los trece largometrajes, ordenados según las impresiones y emociones que han despertado en quien, humildemente, escribe estas líneas.
13. La amiga de mi amiga (Zaida Carmona) — Sección Oficial
La directora barcelonesa da forma a su primer largometraje con una comedia romántica, lésbica y hecha con mucha pasión entre varias amigas en la vida real. Así, la historia parte de la realidad de sus protagonistas para crear una ficción que, como bien adelanta el título y después corrobora la película, es una reinterpretación de El amigo de mi amiga (Éric Rohmer, 1987) en la que se aprecia la pluma del director de ¡Corten! (Marc Ferrer, 2021) en un guion que apuesta por el metacine. De esta forma, el espectador se encuentra con una simpática y humilde ópera prima donde los entresijos amorosos marcan el ritmo desde el punto de vista del personaje interpretado por la propia directora, quien regala algunas escenas genuinamente cómicas y realistas —como las sesiones con su psicóloga o la videollamada con su madre—.
Por tanto, La amiga de mi amiga consigue ser una comedia divertida sobre el desamor, la amistad y la autoestima que refleja bastante bien la vida contemporánea, pero su autoconsciencia no la exime de ofrecer un resultado final demasiado amateur, evidenciando la falta de presupuesto y de recursos en la producción. El sonido, las interpretaciones, algunas decisiones argumentales y las conexiones entre escenas que dan sentido al desarrollo de los personajes son algunas deficiencias que lastran la cinta, convirtiendo una trama frenética en un visionado algo denso por momentos e inverosímil en varias situaciones. Aun así, y a pesar de sus errores, es una película para reivindicar y que sitúa en la industria a una directora prometedora.
12. L’últim salt (Nando Caballero) — Sección Panorama
También desde Cataluña, el director se lanza por primera vez a la ficción tras realizar varios documentales, aunque sin abandonar su proclamado interés por la fotografía y la música: Jana, la protagonista, acepta un último trabajo fotográfico antes de huir de sus «fantasmas» y, por tanto, de su ciudad. Así, L’últim salt es una película de barrio, cercana al costumbrismo y con un humor corriente y efectivo. A pesar de sus limitaciones respecto al presupuesto, se vale de la cámara en mano y un formato de pantalla que bebe de Mommy (Xavier Dolan, 2014) tanto en apariencia como en simbolismo para narrar una historia cautivadora sobre la superación, las mentiras, la nostalgia —y aquí es donde juega un papel fundamental la música—, los recuerdos —en forma de vídeos grabados con el móvil que cuesta olvidar— y, sobre todo, el amor inesperado que libera e inspira.
La cinta acierta en el retrato de una mujer adulta cansada y decepcionada, pero es cierto que no está exenta de puntos débiles. El montaje se tambalea entre las buenas ideas bien ejecutadas y otras más sencillas con pequeñas deficiencias. A nivel narrativo, la naturaleza realista de su historia se ve afectada por licencias narrativas que restan credibilidad o líneas de diálogo cercanas al cliché, así como elementos estilísticos algo pretenciosos para el minimalismo presente durante la mayor parte del filme. Así, parece que se aísla en su propuesta formal para resolver situaciones de forma algo inverosímil y predecible. Aun así, L’últim salt se siente cercana, como un abrazo que recuerda a los espectadores que el amor, sea como sea, forma parte de nosotros.
11. Lonesome (Craig Boreham) — Sección Panorama
El sexo en su vertiente más visceral guía el segundo largometraje del director australiano, una película interesante que no termina de ahondar en la complejidad que plantea. De este modo, la historia presenta a un hombre joven que llega a la ciudad de Sydney abandonando el pasado que le persigue desde su pueblo de origen, el cual ofrece un mínimo toque wéstern. Desde el principio, la sexualidad —vinculada a la culpa y al autocastigo— se percibe como el tema central desde el que emergen el resto de las temáticas, tales como las drogas, la inmigración, la prostitución masculina, la soledad, el deseo romántico —representado en su relación con un chico de ciudad que conoce a través de una aplicación para ligar— y, sobre todo, la falta de amor propio y respeto hacia uno mismo como consecuencia del rechazo social y familiar.
El mayor potencial de la cinta reside en el personaje protagonista y en su carencia de amor en todas sus variantes, pero el director no culmina este desarrollo y centra su mirada en un sexo explícitamente innecesario que impacta, pero no trasciende. En cambio, la francesa Sauvage (Camille Vidal-Naquet, 2018) —que comparte muchos planteamientos con Lonesome— consigue ambas cosas abordando también el sexo como droga y evasión en un resultado final superior en todos los sentidos, sobre todo a nivel interpretativo, estético y narrativo. De esta forma, Boreham se sumerge en una propuesta compleja que vuelve a poner un tema sobre la mesa sin profundizar lo suficiente en él como para destacar sobre otras obras similares.
10. Les meilleures (Marion Desseigne-Ravel) — Sección Oficial
Con un título sugerente y polisémico —que, en castellano, se traduciría como «las mejores amigas»—, la directora francesa presenta una ópera prima sencilla en forma y estilo ambientada en un suburbio de París que narra el primer amor de una adolescente con una recién llegada al barrio, quien le permite ir descubriendo su sexualidad y desechando ideas preconcebidas; esas mismas que las fuerzan a aparentar ser enemigas de cara al exterior para mantener su relación en secreto —o, más bien, escondida—. De esta manera, la película aborda temáticas como la amistad y sus implicaciones, las relaciones entre hermanas, los peligros de las redes sociales, el acoso o la presión que ejerce la sociedad, la familia o la religión durante el proceso de autoaceptación —la cual genera que la protagonista sienta que decepciona a todo el mundo a su alrededor—.
En este sentido, Les meilleures comparte línea argumental con Rafiki (Wanuri Kahiu, 2018), pues ambas parejas protagonistas están acorraladas por un entorno conservador, aunque la cinta keniata se siente más compleja y emotiva, sobre todo por el desarrollo de los personajes —que no por su evolución, donde sí acierta la francesa—. Además, a pesar de que el final funciona como resolución dando un pequeño, realista y amargo halo de esperanza, se presenta de forma apresurada y directa tras un largo contexto que, si bien indaga en la soledad de la protagonista de manera más o menos interesante, se extiende demasiado en el tiempo.
9. Três Tigres Tristes (Gustavo Vinagre) — Cine Disidente
La propuesta más experimental y atrevida de este top llega desde Brasil —o, más concretamente, São Paulo— con una película entre el drama, la comedia y el musical que recurre a la pandemia provocada por la COVID-19 para crear un mundo distópico donde un virus que produce amnesia invade a su población. Así, Vinagre y la guionista Tainá Muhringer crean un divertido estudio sobre la memoria, el recuerdo y lo colectivo a partir de las experiencias de los tres personajes protagonistas y sus encuentros con otros secundarios carismáticos y siempre queer, donde se unen la juventud y la edad adulta para hablar de sida, prostitución, maquillaje, objetos inanimados, especismo, arte drag… Un cóctel del todo curioso.
Aunque no está claro si la película esconde una metáfora más profunda de lo que aparenta o si, en realidad, solo apuesta por lo concreto como recurso cómico y reflexivo, Três Tigres Tristes es profundamente original y se disfruta si el espectador consigue conectar con ella e intenta despojarse de las convenciones narrativas. En este sentido, cabe destacar lo alocado de su tramo final, cuando por fin aparecen las escenas musicales del filme con interpretaciones de bastante carga emocional, dramática y, por supuesto, cómica, ya que esta última parte desemboca en un plano desternillante y técnicamente interesante que fusiona los placeres personales con el deseo y que podría considerarse la culminación de las aventuras por la ciudad del trío protagonista. Se podría criticar la escasa explicación de su experimento y propuesta argumental, pero estoy seguro de que los creadores buscaban un divertimento crítico más que una trascendencia narrativa.
8. Una revolución pornográfica (Patrick Muroni) — Cine Disidente
Desde Suiza, el director presenta su ópera prima en el largometraje con un documental que promete, como bien indica la sección del festival a la que pertenece, disidencia. De esta forma, se sumerge en la vida de seis jóvenes veinteañeras que fundaron una productora pornográfica —denominada Oil Productions— para ofrecer una alternativa «ética» en la industria que represente «diversidad de cuerpos y sexualidades». Así, Muroni va desengranando su funcionamiento y las motivaciones e historias personales vinculadas a ella a través de conversaciones emocionales y profesionales entre las propietarias, escenas sobre el proceso de grabación de las películas y, en menor medida, entrevistas directas. De esta forma, el documental se integra a la narración como consecuencia de una apuesta por capturar momentos cotidianos y espontáneos de manera externa con una muy notable realización que resulta incisiva por momentos y siempre explícita.
En este sentido, Una revolución pornográfica, cuyo título original es Ardente·X·S, demuestra un interés por las generaciones más jóvenes similar al de Quién lo impide (Jonás Trueba, 2021), poniendo en relieve sus inseguridades —relacionadas con la familia y el entorno activista, pero también con ellas mismas—, así como sus propósitos y motivaciones —dejando espacio, además, para momentos divertidos y conversaciones humorísticas—. En este propósito por representar a la juventud más implicada, entran en juego temáticas como el feminismo, la sexualidad, la desmitificación del sexo o la moralidad alrededor del porno. Por tanto, plantea un debate enriquecedor y polémico a partes iguales del que se habla a lo largo del documental, pero que no aparece en su modalidad más argumentativa.
7. Nunca seremos parte (Amelia Eloisa) — Sección Oficial
Eloisa dedica su ópera prima a todas las mujeres de su vida, y lo cierto es que su historia navega en un complejo e íntimo universo femenino protagonizado por una adolescente tímida y reservada que huye de una realidad que ni comprende ni considera justa con ella misma. Por tanto, estamos ante un coming of age ambientado en México algo previsible, que no por ello menos interesante. Nunca seremos parte mantiene un ritmo pausado —que funciona mejor a lo largo del desarrollo que durante la primera parte— y consigue establecer relaciones humanas complejas donde la maternidad y la «amistad» adquieren una mayor trascendencia, concluyendo en un final poético y revelador —que bien podría ser una reinterpretación de El agua (Elena López Riera, 2022)—.
Es un retrato sobre el despertar sexual y la propia identidad, pero también sobre cómo los estímulos externos pueden repercutir en ambos procesos, en especial si provienen de miembros de tu familia. Una cinta fría con espacio para la liberación que presenta los recuerdos personales como extractos de un pasado que debe ser sinónimo de evolución; y lo hace con flashbacks que mantienen viva la trama y un inesperado encuentro: el de dos chicas antagónicas que, paradójicamente, están unidas por el único personaje masculino del filme —en esta relación también encontramos similitudes con Libertad (Clara Roquet, 2021)—. «No hay por qué temer lo inevitable; siempre llega», dice el padre de la protagonista en una de sus intensas y dramáticas intervenciones. En esta frase reside el potencial de Nunca seremos parte, una película impregnada por una pregunta que sobrevuela cada segundo: ¿por qué nos da miedo parecernos a nuestras madres?
6. Słoń (Kamil Krawczycki) — Sección Oficial
Desde uno de los países más homófobos de Europa, llega la ópera prima en el largometraje del director polaco con una propuesta rural sobre el autodescubrimiento y la liberación ambientada en la actualidad y cuyo mayor conflicto surge desde la propia familia. «Nada ha cambiado aquí», comenta Dawid cuando regresa a su pueblo natal después de abandonarlo y como consecuencia de la muerte de su padre. El joven protagonista, Bartek, que dirige una granja de caballos y demuestra una conexión especial con ellos, escucha sus palabras como si una daga atravesara la única forma de vida que conoce, pero también como una posibilidad. Así, surge un romance más que entrañable entre dos personajes alejados de estereotipos o clichés estandarizados en el cine gay —los mismos que critica la comedia estadounidense Fire Island (Andrew Ahn, 2022)— que despierta el rechazo y la intolerancia de los lugareños.
El drama predominante otorga espacio para el simbolismo, personajes con un trasfondo interesante, una gran atmósfera creada desde la dirección de fotografía y un guion bien escrito que no se olvida de integrar detalles cómicos. En este sentido, Słoń —«elefante» en castellano— aborda los cuidados familiares, la responsabilidad, el despertar sexual —que no la autoaceptación—, la culpa y el respeto hacia uno mismo, pero sobre todo la libertad de poder actuar y comportarse como realmente eres y quieres. Aunque no destaca por su innovación u originalidad, tiene una trascendencia especial al potenciar una escasa filmografía de temática LGTB en Polonia con una propuesta tan sincera y que presenta una evolución del personaje protagónico tan emocionante y reveladora.
5. Lobo e Cão (Cláudia Varejão) — Sección Oficial
La primera película de ficción de la directora portuguesa hace patente su experiencia en el documental al apostar por el naturalismo y la cotidianidad en su representación de la vida en São Miguel. Así, el espectador se enfrenta a un cine cercano a la proyección de situaciones por encima de la continuidad que ofrecen las narrativas más convencionales, aunque la película sí sigue una estructura argumental lineal. En este equilibrio —que juega tanto a su favor como a su contra—, Varejão acorrala a sus personajes —que, al igual que los de Alcarràs (Carla Simón, 2022), están interpretados maravillosamente por actores no profesionales y residentes de la isla— con una exquisita fotografía cerrada que dedica poco espacio a los planos generales y un formato de pantalla 4:3, emanando la sensación de aislamiento de la protagonista.
En este sentido, Lobo e Cão aborda el abandono de los orígenes —qué bonito el sonido de ballenas como metáfora de la permanencia—, las tradiciones locales y religiosas, las relaciones familiares —con especial atención a la maternidad y la figura paterna—, la dicotomía entre géneros, la diversidad sexoafectiva e identitaria, el amor y, ante todo, la convivencia entre dos formas de vida con sus momentos de entendimiento y de confrontación. Una, dividida entre la comprensión y el juicio hacia lo diferente, y otra que sobrevive y desea mantenerse en contacto con su tierra sin conformarse con tener que adaptarse a la norma. En definitiva, la directora compone un gran retrato humanístico donde se entrecruzan el vogue, la peregrinación o la cultura queer, regalándonos una escena hacia el final que representa a la perfección el significado de «orgullo LGTB».
4. Casa Susanna (Sébastien Lifshitz) — Oficial Documental
El director francés amplía su filmografía tras la maravillosa Una niña (2020) con otro documental sobre la identidad, pero en esta ocasión se desplaza a Nueva York y retrocede en el tiempo hasta los años cincuenta y sesenta. En aquella época, cerca de las montañas de Catskill en un recinto aislado, se encontraba un paraíso que, por primera vez y de manera clandestina, permitía expresarse con libertad a travestis y personas trans. Era la Casa Susanna, y Lifshitz consigue que dos mujeres que vivieron esos tiempos en primera persona se reencuentren entre ellas y con los restos del lugar, así como con la hija de otro compañero y el nieto de la propia Susanna.
A través de los testimonios de estas cuatro personas, sus interacciones, la conservación de fotografías que aparecen en pantalla de forma recurrente y algunos vídeos de archivo, el director reconstruye aquella casa con los cimientos de la memoria sobre las redes de contacto creadas por la comunidad queer, sus relaciones con la familia en el día a día, el proceso de transición en una época convulsa, la percepción de uno mismo y las consecuencias de no poder expresarse como realmente eres. Puede que la estructura del filme provoque alguna confusión en los espectadores por la alternancia de las cuatro historias, lo difuso de su línea temporal y la flaqueza en su ritmo durante la parte central. Aun así, Casa Susanna se erige como un gran trabajo donde la empatía y el recuerdo culminan en un documental emocionante, humano y doloroso.
3. You Can Live Forever (Mark Slutsky, Sarah Watts) — Sección Oficial
Director y directora se unen en este emotivo y bello largometraje ambientado en la Canadá de los años noventa que narra un romance adolescente dulce, tierno e íntimo al que le invade un contexto hostil marcado por la religión, pues una de las protagonistas —cuyo nombre resulta involuntariamente apropiado y cómico para los espectadores hispanohablantes— pertenece firmemente a una comunidad de Testigos de Jehová. En este entorno se conocen ambas chicas tras la llegada de Jaime a casa de su tía —uno de los personajes más complejos y misteriosos del filme— como consecuencia de la muerte de su padre. En este sentido, la trama recuerda a la británica Disobedience (Sebastián Lelio, 2017), aunque los directores aseguran haber escrito el guion antes de su estreno —pues su proceso de creación se alargó hasta los ocho años—.
De esta forma, la historia de You Can Live Forever se construye a base de un respeto exhaustivo por las normas narrativas, lo cual le otorga una robustez que, quizá, se hubiera beneficiado de algún elemento más arriesgado y original. Aun así, consigue un resultado muy completo y un ritmo solvente reforzado por la gran ambientación musical, los efectos sonoros y la bonita fotografía, así como por el buen manejo a la hora de equilibrar situaciones dramáticas con un humor natural y, valga la redundancia, gracioso. Por tanto, la guionista principal, cuya admiración incondicional por Retrato de una mujer en llamas (Céline Sciamma, 2019) se percibe sutilmente en la película, transforma sus experiencias personales en una obra respetuosa, honesta y romántica que representa la intensidad adolescente, el eterno conflicto entre la religión con las experiencias LGTB, la imperiosa necesidad humana por pertenecer a una comunidad o la incompatibilidad entre creer y ser.
2. Wildhood (Bretten Hannam) — Sección Oficial
Esta otra película canadiense ambientada en Nueva Escocia presenta a dos hermanos que huyen de la violencia ejercida por su padre en busca de la madre biológica del mayor de ellos, Link. Por el camino, se cruzarán con Pasmay, una persona dos espíritus —al igual que Hannam— que comparte orígenes indígenas con el protagonista. Así, los tres se embarcan en un viaje de autodescubrimiento y aprendizaje marcado por los vínculos familiares, las tradiciones, el rechazo social, la soledad, el amor y la identidad. Es decir, un viaje emocionante y vital —sobre todo para Link— sobre ser, existir y querer.
Todo cuanto plantea Wildhood me resulta destacable. Desde la calidad de su apartado técnico, pasando por una dirección de fotografía que cuida cada detalle de la iluminación o del color y un tratamiento musical y sonoro perfectamente acorde a la acción, hasta un precioso guion con un ritmo que mantiene siempre una expectativa, una esperanza y un equilibrio entre el drama innato a la historia y pequeños toques de humor protagonizados por el hermano pequeño. Si debiera extraerle un pero, estaría relacionado con la trama y el único personaje femenino: la madre. Quizá la película no termina de abordar su desarrollo y presenta una explicación algo endeble sobre su decisión de abandonar a Link cuando aún era un niño, tambaleando los cimientos del argumento. Esto, que los espectadores pueden considerarlo legítimamente una carencia de guion, se me antoja una licencia narrativa que mantiene la intriga alrededor de la figura materna del protagonista que, junto a los flashbacks anteriores, forman un rompecabezas que representa la complejidad del ser humano.
1. Blue Jean (Georgia Oakley) — Sección Oficial
En su ópera prima, la directora británica crea una obra mayúscula enmarcada a finales de los años ochenta durante el mandato de Margaret Thatcher, que incorporaba en su agenda la vulneración de los derechos del colectivo LGTB. De esta forma, Blue Jean se puede considerar una película política que dirige su mirada hacia lo personal y la educación, pues la protagonista es una profesora de instituto de gimnasia que ama su trabajo y, como consecuencia, se siente obligada a esconder su orientación sexual y su relación sentimental —también con la familia— como medio de supervivencia. El guion —de gran consistencia— construye una evolución de la protagonista natural, compleja y sincera muy bien pautada en tiempo y forma y con personajes secundarios cautivadores, sobre todo en el caso de su sobrino pequeño.
De esta forma, Oakley retrata la homofobia generacional, institucional e interiorizada, pero también la creación de entornos seguros, comunitarios y de encuentro. Y lo hace a través de una realización que sabe cómo capturar y transmitir a los espectadores la sensación de peligro y de asfixia, la presión social, la tensión narrativa o la libertad, siempre con las políticas del Gobierno de Thatcher de fondo —a través de noticias o declaraciones retransmitidas por televisión— a modo de recordatorio para la protagonista, lo cual concede un cierto valor histórico a una obra que despierta emoción, empatía, rabia y, en ciertos momentos, risas. En definitiva, Blue Jean se une a otros largometrajes del festival que explican qué tiene que ver el orgullo con ser gay, lesbiana, trans o bisexual.
